Представленный вниманию читателей обзор истории современной музыки читался автором на курсах по подготовке ведущих дискотек в г.Харькове в течение последних десяти лет. Основная цель данного курса лекций - ознакомить слушателей с развитием современной музыки от спиричуэла, блюза, регтайма до ее настоящего состояния, а также ознакомить с малоизвестными отечественным любителям музыки терминами и стилевыми различиями новых музыкальных направлений.

При написании данной работы были оставлены "разговорные" интонации и обороты прочитанных лекций. Автором даются довольно подробные отступления в область идеологии рока, что является необходимым для понимания рок-культуры.

Формы современной музыки, такие как джаз, рок или различные смешанные формы, являются синтетическими и соединяют в себе элементы разных музыкальных культур, которые в сплаве образовали довольно органичные разновидности этой музыки. Пожалуй сейчас уже является тривиальным утверждение, что джаз, рок и многие другие производные от них виды музыки появились как результат синтеза негритянской и европейской музыкальной культуры. При этом обычно не обращается внимание на то, что помимо этих двух основных форм можно отметить еще довольно большое количество музыки различных регионов земного шара, которая тоже принимала участие в этом музыкальном синтезе. Остановимся на первых двух основных составляющих современной музыки. Начнем с негритянской музыки.

Когда мы употребляем термин "негритянская музыка", то речь идет не о негритянской музыке в широком понимании. Обычно речь идет о музыке довольно ограниченного географического региона, который в прошлом получил название "Невольничий Берег". Это побережье Гвинейского залива. Западная Африка, территория современных стран: Бенин, Гвинея, Камерун, Нигерия, Гана, Того, Кот-Дивуар и еще нескольких. Именно из этого географического региона и шел основной поток рабов вплоть до запрещения работорговли во второй половине XIX века. Надо отметить, что среди историков музыки и музыковедов нет единой точки зрения на то, что африканская музыка, внесшая свой вклад в появление афро-американской музыки, целиком исходила из этого региона. В работе "Синкопаторы саванны" известного американского музыколога утверждается, что основной вклад внесли жители центральных районов Африки, районов африканской саванны, что и было отражено в названии этого труда. Но большинство исследователей все-таки придерживается взгляда, что именно Невольничий Берег стал основным "поставщиком" этой прибрежной музыкальной культуры, отдаленные потомки которой являются представителями всей современной музыки, начиная от "новой волны* и заканчивая музыкой "фьюжн".

Какая музыка здесь была распространена? Главное отличие африканской музыки от других музыкальных культур земного шара состоит в том, что в ней присутствует явно выраженная перкуссивность, т.е. упор на ударные музыкальные инструменты, понимаемые очень широко: от простейших деревянных блоков и высушенных тыкв до довольно сложных барабанов семейства мембранофонов.

Типичный африканский оркестр, если смотреть на функционирующие и по сей день оркестры Ганы и Нигерии, представляет собой именно такой набор барабанов. Причем количество этих барабанов, их размеры и величина, материалы и так далее варьируются в очень широком диапазоне. Обычно в таком африканском оркестре их несколько десятков, в среднем около тридцати барабанов. Сюда входят и большие басовые барабаны-тамтамы и, заимствованные от арабов, малые барабаны, бубны, трещетки и прочие "экзотические" инструменты. Что касается мелодической функции - второй важной музыкальной функции, помимо ритмической, то в африканских оркестрах роль мелодического голоса, мелодического инструмента чаще всего играет человеческий голос. В некоторых барабанных оркестрах это единственный мелодический инструмент. Причем именно в Африке сложилась традиция, которая до сих пор прослеживается в джазе и рок-музыке, связанная с тем, что голос используется исключительно как инструмент, словесная нагрузка здесь часто отсутствует. Певец, если его так можно назвать в европейском понимании этого слова, очень часто тяготеет к нечленораздельным фразам, к бессмысленным сочетаниям звуков и тем самым подтверждает отношение к своему голосу именно как к одному из музыкальных инструментов. Что касается других мелодических инструментов, то здесь чаще всего распространены простейшие духовые из семейства свирелей и флейт. Очень редки струнные, которые обычно имеют весьма примитивный характер - чаще всего это модифицированный охотничий лук, т.е. однострунный инструмент, на котором играют либо щипковой техникой, либо при помощи смычка. Вот это, собственно, и весь оркестр, в котором основное место занимают перкуссивные инструменты. Именно в Африке родился тот прием, который в европейском музыковедении получил название полиритмия. На языке суахили - одном из основных африканских языков, на котором общаются в Западной Африке - этот термин называется "осибиса". Кстати, именно так названа одна популярная афророковая группа, впервые появившаяся в Англии и давшая своим творчеством основание для развития этого стиля. "Осибиса" - буквально означает "перекрещивающиеся ритмы радости", на суахили именно этот термин показывает африканское отношение к роли ритмики в музыке. Прежде всего считается, что ритмика имеет главенствующее положение в музыке и заведомо превалирует и над мелодикой, и над гармонией. Во-вторых, считается, что ритмика играет главную роль в изменении эмоционального статуса человека. В этом прослеживается параллель с высказыванием нашего известного музыкального критика и композитора Б. Асафьева, который говорил, что музыка должна не развлекать, а радовать. Иначе говоря, музыка не должна служить фоном для времяпровождения немузыкального характера, а эмоционально "включать" человека в нее, участвовать в музыкальном процессе. Африканский подход к музыке именно таков. Не случайно в Африке существует поверив, что если в деревне хороший барабанщик, то болезни обходят эту деревню стороной. Это и отмечали очень многие путешественники по Африке, начиная с Ливингстона и Стенли. Отмечали ее некое магическое действие на слушателя, которое предполагает включенность этого слушателя в музыкальный процесс. Это явление делает европейскую музыку родственной с восточной, например, с египетской или персидской. Есть персидская пословица: "Если ты хорошо играешь на флейте, почему твой дядя умер?" То есть утверждается, что там, где звучит музыка, нет места болезни и смерти.

Помимо эстетического удовлетворения, которое такая музыка может приносить слушателям, она" имеет много утилитарных аспектов. Музыка способствует облегчению тяжелого труда - полевые работы в африканских деревнях почти всегда сопровождаются барабанным боем. Музыка сопровождает все обряды, которые совершаются в Африке и по сей день, от самых обыденных - поминки, свадьба, до самых экзотических, вроде вызывания дождя.

В африканской музыке понятия музыка и танец неразделимы. То же наблюдается и в китайской культуре. Там, чтобы обозначить музыку и танец, применяется один и тотже термин "ю-эт". Этот термин повсеместно распространен и показывает, что в первобытных обществах музыку и танец рассматривали как нечто нераздельное. Движение под музыку считалось обязательным. Параллели с этим можно увидеть на современных рок-концертах, где такое самовыражение аудитории может приводить даже к повышению качества исполнения музыки. Очень многие музыканты отмечают этот аспект обратной связи. Так, например, известный негритянский джазмэн, трубач Майлс Дэвис всегда утверждает, что если на его концерте танцуют, то концерт удался. Учитывая, что музыка Майлса Дэвиса отнюдь не танцевальная в привычном смысле этого слова, очень сложна ритмически и отличается от традиционного диско-ритма, высказывание это кажется очень странным, но оно очень понятно любому соотечественнику Майлса Дэвиса, который постоянно живет в условиях такого музыкального фона. Неразделимость музыки и движения под музыку - это Тоже очень важный момент африканской национальной культуры.

Надо отметить, что африканская музыка росла не в вакууме, она, естественно, испытывала на себе влияние самых разных музыкальных культур и, в первую очередь, арабской. Потому что именно с севера Африки, из районов Туниса, Алжира, Марокко, Судана приходили арабские завоеватели, которые чаще всего занимались работорговлей. Именно они захватывали большое количество негров, а потом продавали их на берегу Гвинейского залива приходящим работорговческим судам. И собственно такое взаимодействие арабской и негритянской культуры несомненно сказывается на африканской музыке, на ее терминологии, которая окольными путями проникла и в современную музыку. К примеру, на музыкальном жаргоне слово "говорить" будет "карнать по лабушски", а глагол "карнать" первоначально означал "играть на музыкальном инструменте", а он, в свою очередь, произошел от названия арабского музыкального инструмента, родственного нашей трубе - карнай. Джазмены в Америке называют друг друга "аллигаторами". Например, известный рок-н-ролл Билла Хэйли "See you later, alligator" /"До свидания, аллигатор"/ - это и есть пример такого обращения. Слово "аллигатор", было придумано белыми в восточной Африке, где они слышали, как местные жители смешанного арабо-негритянского происхождения называют крокодилов. Их называли собственно не "аллигатор", а "альгатта", что по-арабски означает "волынка", точно так же называли волынщика и музыканта. Еще один пример - слово "джаз", которое не имеет эквивалентов ни в одном европейском языке и соответственно ни в одном из африканских языков районов Гвинейского залива, существует в арабском языке, где оно означает либо "печаль, тоска" /прямая аналогия со словом "блюз"/, либо "внимательно наблюдать, плыть в потоке, медитировать". Влияние арабской музыки на негритянскую несомненно. Арабская музыка сама по себе - явление не самостоятельное, а впитавшее в себя влияние очень многих музыкальных культур, с которыми арабы сталкивались по мере завоевания территории будущего Арабского Халифа /индийской, персидской и так далее/. Такие обширные восточные влияния в чисто негритянской музыке действительно присутствуют /в частности, знаменитая восточная пентатоника, которая широко распространена в восточной музыке, начиная от турецкой изаканчивая японской/. В европейской же музыке вместо пятитоновой используется семитоновая октава, за исключением кельтских народов /жителей Уэльса, Шотландии, а следовательно и древних обитателей Англии и музыкантов из древней Бретани - современной провинции Франции/. Именно из этих районов уехали в свое время так называемые отцы-пилигримы, те выходцы из Англии, которые основали первые колонии в Америке, так называемую Новую Англию. Именно из сочетания кельтской пентатоники и арабской пентатоники, воспринятой неграми и получилась гармоническая основа современной музыки. Она в основном пентатонична, пентатоничен джаз, пентатоничен рок. И, возможно, почвой для слияния и стала именно пентатоновая гамма, одинаковая и у кельтов, и у арабов.

Вернемся в Африку. Так как Новый Свет был очень мало заселен, то понадобилось очень большое количество рабочей» силы. Эту рабочую силу получали в виде рабов из района Гвинейского залива. Процесс этот происходил с основания первых колоний в Америке с XIV-го века. Отцы-пилигримы попали сюда в XVII-м веке, 1620 году, и представляли собой беженцев от религиозных преследователей. Европа была охвачена войной между католиками и протестантами. Не осталась в стороне и Англия. Вследствие этого местные пуритане вынуждены были искать прибежище за океаном. Протестанты вообще не принимали внешнюю сторону католицизма: поклонение иконам, институт священнослужителей. Они считали, что проповедником может быть человек, выдвинутый из рядов коммуны, они отрицали разнообразные религиозные обряды, церковные службы. Пуритане отличались очень строгими нравами, что присуще и по сей день. Это распространилось и на искусство, которое считалось дьявольским порождением, за исключением его части, связанной с религией. Поэтому единственным видом музицирования у пуритан было совместное распевание религиозных гимнов, которые сначала вывозились из Европы. По мере роста колоний пуритан в Новой Англии, у них появлялись и свои сочинители гимнов. Эти гимны становились общепринятыми и постепенно стали создаваться сборники гимнов. По-английски гимны назывались "джубили" / jubilee / или "госпел" / gospel / или "спиричуэл "/spiritual/. Термин "спиричуэл" означает "духовное песнопение", "госпел" - это название "Евангелие" по-английски, т.е наиболее почитаемых пуританами книг "Нового Завета". Правда, эти религиозные гимны были чисто европейской музыкой' творчеством выходцев из Англии, а современный спиричуэл - это уже синтетическая форма, появившаяся в результате слияния протестанского хорала, африканской ритмики и импровизации.

Что же представлял собой спиричуэл тогда? Собравшись всей общиной в молельном доме и прослушав проповедь проповедника, члены общины начинают петь религиозные псалмы и гимны. Начинает проповедник, который запевает на известный мотив известный гимн, его подхватывает вся община и они поют все вместе, иногда часами. Считается, что при этом их дух приобщается к небесной благодати и песнопение положительно сказывается на их духовном статусе. Негры - рабы, на которых не распространились жесткие моральные правила пуритан, имели возможности посещать их воскресные церкви и воспринимать только один-единственный вид культуры - религиозно-церковный. Это наложило существенный отпечаток на всю афро-американскую музыку в целом.

Нужно отметить еще один очень важный момент. Неграм запрещалось пользоваться любыми ритмическими приемами. Белым надсмотрщикам было хорошо известно искусство негритянских барабанщиков, позволяющее им передавать информацию так, что непосвященному ничего не будет понятно. Боязнь заговора шла еще со времен работорговли, когда на кораблях работорговцев под страхом жестокого наказания было запрещено производить любые ритмические движения.

В то же время, в дельту Миссисипи, где были идеальные условия для выращивания хлопка и необходимо было большое количество рабочей силы, стали привозить много негров-рабов. Нравы здесь были менее строгие по той причине, что в дельте Миссисипи была не английская протестанская колония, а французская католическая. Здесь же рядом находилась и Флорида -испанская колония. И хотя и французская Луизиана, и испанская Флорида затем перешли к англичанам и постепенно вся Америка становилась англоязычной, в ней оставались разные регионы, в которых существовали разные культуры. Во Флориде

- испано-язычная, ориентирующаяся на католицизм, в Луизиане

- франко-язычная и тоже католическая, в районе Пенсильвании, где была обширная немецкая колония - было сильно влияние протестанства, хотя и несколько иного толка, чем английское и, наконец, в штатах Новой Англии - Массачусетс, Коннектикут, Род-Айленд - была чисто английская пуританская культура. И до сих пор выходцы из этих штатов считаются наиболее привилегированными американцами. Это так называемые "вэспы" /WASP/, т.е. белые англо-саксонские протестанты /White Anglo-Saxon Protestants/. Кстати именно так называется известная "металлическая" группа "WASP". В этих штатах была чисто пуританская культура. Правда, рабов имели все, и англичане, и испанцы, и французы. Однако, условия, в которых они жили, сильно различались.

Итак, в Америке сложилась следующая обстановка. С одной стороны, негры не имеют права заниматься своей музыкой. С другой стороны, единственный вид культурной деятельности, который им доступен /по крайней мере у пуритан/ -это посещение церковных богослужений. Вот из-за такого стечения обстоятельств родился тот самый жанр, который мы сейчас называем "спиричуэл".

Вернемся в Южные Штаты. Жизнь в таких Штатах как Алабама, Арканзас, Теннесси даже сегодня сильно напоминает ту, которая текла там в XIX веке. Церковь в них является основным культурным центром. Белые допускали туда негроа, позволяли ознакамливаться с религиозной догматикой с целью обращения их в христианство. Очень многие негры приняли христианство, а со временем это стало повсеместным явлением. Почему это происходило? Угнетенные негры сравнивали свою судьбу с судьбой иудеев в Новом и Ветхом Завете, по которому иудеи были постоянно гонимым народом. Эта многовековая история иудейского народа стала очень созвучной неграм. Многие начинают брать себе библейские имена, например, Исайя, Иона или другие имена библейских пророков. Кроме этого они начинают трактовать библейские истории как имеющие к ним непосредственное отношение. Поскольку в Библии есть несколько мест, которые можно отнести и к неграм /считается, что основатель иудаизма Моисей был негром из районов Эфиопии/, то нефы стали считать, что эти места свидетельствуют об избранном характере негритянского народа. Мысль о том, что Библия говорит о страданиях негритянского народа, стала устойчивой в негритянском сознании.

В это время произошло разделение церквей, неграм предоставили свои церкви. В них над нефами не было постоянного контроля и их ритмическое самовыражение проявилось в очень концентрированном виде. Обстановка здесь была очень раскованная и ритмизовапная.

На богослужениях звучало очень эмоциональное исполнение религиозных гимнов, которое строилось по знаменитому африканскому принципу "призыв-отклик" /CALL- RESPONCE/. Этот прием широко используется в африканской ритмической музыке, где существует прием переклички между солистом, который поет голосом, и оркестром, который ему аккомпанирует на ударных инструментах и временами подпевает. То есть существует некая диалоговая система между солистом, который выпевает некий куплет или фразу и хором, который подхватывает ее и развивает. Этот прием и стал основным приемом "спиричуэла", а в дальнейшем перешел в джаз и в рок и сейчас присутствует практически во всей современной музыке.

Протестантское богослужение начинается с чтения проповеди. По мере чтения сам проповедник эмоционально "заводится". Он начинает говорить некой ритмизированной прозой, это превращается в речитатив, наконец, когда страсти накаляются, он начинает выкрикивать и выпевать фразы. Хор обычно подхватывает его стандартными откликами "аллилуйя" или "воистину слава". Постепенно атмосфера становится настолько напряженной, что вся аудитория начинает чувствовать себя как нечто единое целое и начинает притопывать, прихлопывать, танцевать и петь во время религиозной службы. Здесь очевидна прямая аналогия с концертом рок-музыки.

Эта экзальтация, эта экспрессия порождает еще один интересный феномен. А именно - импровизированный. Если все начинается с какого-нибудь хорошо известного всем гимна, то постепенно, в процессе исполнения, спиричуэл превращается в нечто качественно новое, в некую музыку, которая создается в момент исполнения. А это, собственно, и есть импровизация как основа появления джаза.

Однако останавливаться только на спиричуэле было бы неверным, потому что не вся жизнь негров сводилась только к религиозным богослужениям. У них всегда главенствующей была бытовая деятельность, которой тоже отвечал определенный тип их музыки, пожалуй, сыгравший еще более значительную роль в истории современной музыки. Речь идет о блюзе, появившемся еще в XIX веке, до Гражданской войны, до 60-х годов. Правда, тогда он существовал под другими названиями, а сам термин "блюз" появился в конце ХГХ-ro века. "Блюз" - это множественное число, а не единственное, поэтому перевод его как "тоска" или "печаль" неверен. Скорее здесь есть парал-лель со старорусским музыкальным жанром "страдания". Это песни печально-лирического, бытового содержания. Однако это чисто внешнее сходство, поскольку блюз довольно сильно отличается от русского жанра. Откуда же вообще взялось такое определение, как "тоскливый", "страдающий", "печальный", если слово "blue" на английском языке первоначально означало "синий"? Существует несколько гипотез, одна из которых утверждает, что тут опять видны параллели с Востоком, где синий цвет был цветом траура. Есть и другая версия, по которой слово "blue" происходит от "blue

devil", буквально "синий дьявол". У англичан таким термином обозначают "белую горячку". Такая аналогия возникла от старинного поверия, что пламя свечи приобретает синий цвет, если рядом находится нечистая сила. Есть и другие гипотезы, но ясно одно, что слово "blue" стало обозначать угнетенное состояние духа. Здесь прослеживается прямая параллель со словом "джаз", одно из значений которого отражает такое же состояние.

Термин "блюз" стал в конце Х!Х-го века обозначать довольно сложный конгломерат негритянской музыки, котороя не имела никакого отношения к религиозной музыке. Что же представлял собой такой блюз? Первоначально это было творчество людей, находящихся на социальном дне - калек, слепцов, душевнобольных, просто стариков, которые уже не могли работать и их освобождали от работы на хлопковых плантациях. Им нужно было как-то зарабатывать на жизнь и они ходили по поселкам и селам Южных Штатов и исполняли повествовательно-иронические песни, в которых говорилось о несчастьях и бедствиях негров. Именно эти песни и получили название "блюз". Первоначально блюзы были чисто вокальные, исполнявшиеся чаще всего слепцами. Здесь прослеживается аналогия с украинскими кобзарями. Песни эти несли большой социальный заряд, часто повествовали о несчастной любви, о тяжелой жизни. Такие исполнители и были первыми "bluesman" /"людьми тоски"/.

Постепенно вокальные блюзы начинают обрастать инструментальным оформлением. Использовались чаще всего инструменты, которые было легко носить с собой, типа губной гармоники, свирели, банджо /чаще всего самодельного/, гитары /тоже самодельной/. Обычно банджо делали из консервных банок, гитары - из сигарных ящиков. Поскольку никакого образования у блюзменов не было, то можно говорить, что блюз является типичной формой народной музыки.

С точки зрения гармонии, блюз - это классическое выражение пентатоники. Один маститый блюзмен Аарон Уокер, по прозвищу "Тибоун" /Aaron "T-Bone" Walker/, сказал, что существует только один блюз, а все, что известно как тысячи и тысячи блюзов, кочующих по земле, это вариации одного единственного блюза в нескольких тональностях, несколько иначе гармонизи-рованные, но это всегда одно и то же. И действительно, блюз строится на трех аккордах; тоника, субдоминанта или доминант-септаккорд с его разрешением, доминанта. Все мелодические рисунки блюза укладываются в одну схему. Таким образом, первоначально вокальное искусство становится вокально-инструментальным. Именно блюз является основой развития вокально-инструментального жанра.

Здесь также прослеживается восточный подход к музыке.

Из-за отсутствия нотной записи, каждый интерпретатор музыки является одновременно и исполнителем и композитором. Такое положение продолжалось до изобретения Эдис-соном граммофона, когда появилась возможность фиксации музыки. Раньше в восточных культурах музыка передавалась от учителя к ученику непосредственно. Ученик, живя с учителем, ухаживая за ним, работая на него, перенимал все приемы, все его музыкальное наследие. Сначала он копировал манеру учителя, а впоследствии развивал собственную. Так, от учителя к ученику на протяжении тысячелетий передавалась музыка, например, индийской раги. Тоже самое происходило и у блюз-менов, когда музыканты юного поколения поступали на обучение к мастерам старого блюза, перенимали полностью их манеру и лишь после этого могли заниматься самостоятельно. Все эго резко изменилось с открытием звукозаписи. Сейчас любой человек может учиться манере любого мастера по пластинкам, даже если его уже нет в живых, что собственно и сделали многие представители британского блюза в 60-е годы: Эрик Клэптон, Алвин Лин, Стив Винвуд и другие.

Блюз, появившийся в XIX веке в дельте Миссисипи и существовавший там многие десятилетия без изменений, в специальной литературе называется "country blues" или "деревенский блюз". Это блюз, который еще не "причесан", не украшен мелизмами, и является образцом первоначального негритянского музицирования.

Нужно отметить еще один очень важный момент. Блюз очень ироничен, а ирония - это оружие слабых. Мы иронизируем тогда, когда не можем изменить то, по поводу чего иронизируем. Ирония всегда предполагает горечь, она является удобным психологическим выходом из создавшейся ситуации. Элемент иронии чрезвычайно силен в блюзе, который повествует о печалях и горестях, обрушившихся на человека, но если это настоящий блюз, в нем присутствует элемент иронии, подсмеи-вакия над самим собой, над обстоятельствами, над всем тем, что он сам не может изменить, но может, по крайней мере, над этим посмеяться. Поэтому ироничность - очень важный элемент блюза. Приведем конкретный пример. Обычно блюз строится по схеме А-А-Б-А, А - это некая поэтическая фраза, которая повторяется дважды, а Б - своеобразное резюме по поводуисходной посылки и все это опять завершается исходной фразой. Возьмем старый блюз конца XIX-ro века ;

1. Я пойду на железную дорогу и положу голову на рельсы.

2. Я пойду на железную дорогу и положу голову на рельсы.

3. Потому что только тогда, когда поезд отрежет мне голову, я избавлюсь от своих печалей.

4. И поэтому я пойду на железную дорогу и положу свою голову на рельсы.

Вот пример классического блюза. С одной стороны видно что дела так плохи, что впору действительно класть голову на рельсы, а с другой понятно, что ничего такого певец делать не собирается. Блюзы обычно полны "алкогольной" тематики, потому что единственной радостью зачастую была возможность где-то выпить и забыться хоть на минугу от этого жуткого и жестокого мира. Поэтому алкогольная тема почти так же популярна, как тема несчастной любви. Более того, многие блюзмэны начального периода были неисправимыми алкоголиками и возможно именно поэтому термин "blue devil" так же часто фигурирует в названиях этой музыки как и термин 'blue". Это было как бы творчество людей в "белой горячке". Вот фраза из известного блюза: if trouble was whiskey, is be always drunk", что можно перевести как: "если бы печаль была виски, то я бы был всегда пьян". Не случайно одна из известных книг о блюзе называется "blues and trouble" /"Печаль и ropec™"/ Следующие строки из известного блюза позволяют понять отношение блюзмэнов к своему творчеству: "Ах, мистер капитан, это я не плачу, это я так смеюсь, поэтому не поймите меня неправильно"'.

Такое отношение к теме "смех и слезы" сделали американских блюзмэнов необычайно притягательными уже в 50-е годы нынешнего века, когда в Западной Европе распространилось философское течение экзистенциализм. Исходная посылка его состоит в утверждении, что весь этот мир человеку чрезвычайно чужд и враждебен, человек находится в нем как пылинка, как игрушка в руках слепых сил. Человек не может с этим что-нибудь поделать кроме одного - он может посмеяться над этим миром, он может наслаждаться самим фактом своего существования /экзистенцией/. Блюз с его отношением к жизни оказался чрезвычайно родственным экзистенциалистам. Поэтому среди интеллектуальных кругов Мюнхена, Парижа или Берлина блюз-мэны стали чрезвычайно популярными фигурами. В начале 60-х годов некоторые немецкие и английские антерпренеры начинают организовывать гастрольные поездки старых блюзмэнов, которых они "откапывали" в отдаленных деревушках дельты и привозили в Европу на гастроли. Оказалось, что это чувство тоски и печали очень близко чувствам человека ХХ-го века. Поэтому вовсе не случаен интерес во всем мире к тем формам, которые вышли из блюза - к джазу и року.

Еще одним источником всей современной музыки является музыка "country" или "деревенская". Сам термин "кантри" относительно новый, он появился в широком обиходе только в 60-е годы нашего века. Раньше эта музыка была известна под названием "хиллбилли" /hillbilly/. Само слово "хиллбилли" - это американское обозначение простака, деревенщины /буквально "Билли с холмов"/. Холмами на слэнге называют район Апалачских гор, низких гор, находящихся на юге Штатов. Этот район был традиционно самым бедным, самым малоразвитым районом Соединенных Штатов, заселенным очень пестрым, с точки зрения национального подбора, контингентом людей. Во-первых, здесь было огромное количество выходцев из Центральной Европы, которые появились здесь в результате эмиграции после двух мировых войн. Здесь живут немцы, поляки, австрийцы, чехи, словаки, венгры, румыны, русские, украинцы и другие национальности. Больше всего здесь, пожалуй, немцев и поляков. Это так называемый Библейский пояс Соединенных Штатов /здесь сходятся границы 10 беднейших штатов: Тен-неси, Кентукки, Арканзаса, Канзаса и других/. Население здесь традиционно занимается двумя видами деятельности - горняки или фермеры. Причем не фермеры в полном смысле этого слова, а скорее наемные рабочие, батраки. Уровень жизни очень невысок, а культурная основа чрезвычайно пестрая. Все выходцы из Европы ехали сюда со своим культурным багажом, а заселение этих районов началось еще в XVIII-м веке. Здесь часто в совсем нетронутом виде сохраняются те культурные стереотипы, которые были на родине, в Европе. Появился, таким образом, некий культурный заповедник, куда не проникали внешние влияния. Именно в этом районе стал чрезвычайно популярным центрапьноевропейский инструмент - цимбалы /струнный инструмент, на котором играют либо палочками с мягкими набалдашниками, либо пальцами/. Цимбалы стали прототипом стальной апалачской гитары, которая фактически является теми же цимбалами, но на ней играют исключительно пальцами. Причем пальцы иногда снабжаются металлическими когтями для защипывания струны. А педальная потому, что она располагается перед играющим на столике и к ней подключены педали, нажимая на которые можно изменять натяжение струн, путем изгиба деки. В результате этого получается необычный плывущий звук, такой же как у гавайских гитар. Этот звук стал чрезвычайно характерным вообще для музыки кантри. Другой очень популярный в этой музыке инструмент - скрипка. Причем скрипка в центральноевропейской традиции. В английском языке существует два слова, обозначающие скрипку, "Violin", обозначающее классическую скрипку и классический стиль игры на ней и "fiddle". Тогда стиль игры называется "fiddling", a скрипач - "fiddler". "Фидл" - это немножко другая скрипка, она чуть побольше по размерам и играют на ней чаще всего прижав к поясу. Такая манера игры на скрипке распространена у цыганских, венгерских, румынских и других музыкантов из центральной Европы. Именно в таком виде скрипка была воспринята в музыке хиллбилли и первоначально вместе с педальной гитарой и губной гармошкой составляла основные инструменты музыки кантри.

Музыкальным материалом для хиллбилли был набор музыки, звучавшей в быту Европы: танцевальной /польки, чардаша/, хоров и лирических повествовательных баллад, в которых речь чаще всего шла об исторических событиях, происшедших на покинутой родине.

Итак, музыка кантри, звучавшая в музыкальном творчестве горняков и фермеров /как, например, известный "кантри-боевик" "Sixteen tons", /"Шестнадцать тонн"/, в котором говорится о том, что шахтер добыл за смену шестнадцать тонн антрацита и все равно остался таким же нищим как и был/, с течением времени стала понемногу трансформироваться под воздействием так называемой вестерновой тематики, отражающей освоение Дальнего Запада или "Дикого" Запада. Освобождение "Дикого" Запада считается одним из самых выдающихся исторических событий в истории Америки. Естественно, это событие оставило в фольклоре Америки неизгладимый след. Появилось огромное количество рассказов, баллад, историй, связанных с историческими событиями и с теми личностями, которые выдвинулись /среди которых было немало откровенных авантюристов и преступников/. "Закон кулака", царивший в лагерях старателей и переселенцев, породил громадную преступность, появились организованные банды. Для их подавления посыпали правительственные войска. К этому же периоду относится и сопротивление индейцев завоеванию Дальнего Запада. Разгорались настоящие битвы, хорошо известные по киновестернам. Все эти события оказали очень большое влияние на музыку кантри. В этот исторический период появилась целая плеяда людей, которых власти называли преступниками, а местное население рассматривало как неких Робин Гудов. Действительно, некоторые из них были отъявленными негодяями, но со временем история сделала из них героев. Некоторые действительно были людьми, выступающими за всеобщее равенство и это равенство обеспечивающими при помощи разграбления банков, государственных эшелонов и раздачи денег и имущества беднякам. Таким был знаменитый Джесси Джеймс /Jessie James/, о котором сложено огромное количество песен, баллад. Он считался американским Робин Гудом и очень многие рокеры, восприняв от музыки кантри эту тематику, прославляли его в своем творчестве как, например, известная американская хард-роковая группа "James Band" /"Банда Джеймса"/ или известная негритянская группа "Jessie James and vagabonds" /"Джесси Джеймс и бродяги"/ и многие другие. Это и такие герои, как Billy the rid /"Билли-козленок"/ и Pat Garreth, которому посвятил свой альбом Боб Дилан. То же можно сказать и о личности шерифа, который стал легендарной фигурой после освоения "Дикого" Запада, потому что шериф зачастую был единственным представителем власти в таком бурлящем котле страстей. Все это откладывалось в музыке кантри, поэтому ее со временем стали называть кантри-энд-вестерн /country-and-western/. В 20-е годы XX века появились "поющие ковбои". Такими были Рой Э'каф /Roy Acut!/, Рой Роджерс /Roy Rodgers/ и другие. Это были настоящие ковбои, которых киноэкспедиции находили на каких-то ранчо. Они прекрасно умели обращаться с лошадьми и огнестрельным оружием, их приглашали для съемок фильмов, чтобы они выполняли какие-нибудь трюки. Они же пели ковбойские баллады. Впоследствии Рой Роджерс прославился тем, что организовал самую популярную фирму по производству джинсов в Соединенных Штатах, но он одновременно стал одним из первых "поющих ковбоев". То же самое можно сказать о ковбое Копасе /cowboy Copas/, который выступал под псевдонимом "Ковбой" и о Рое Э'Кафе. Они стали одними из первых звезд кантри-музыки, поскольку пели не только ковбойские песни под. вестерновое сопровождение в голливудских фильмах. Они пели и горняцкие баллады, и фермерские песни Апалачских гор. Поэтому появилось второе название этой музыки, особенно широко распространенное в 60-е годы -"кантри-энд-вестерн". Правда сейчас ее снова склонны называть кантри, так как интерес к вестерновой тематике несколько упал. Это, так сказать, "белое" влияние. Нужно еще отметить, что музыка кантри была вначале исключительно струнной. В ней использовалась педальная гитара и скрипка. Постепенно, по мере знакомства с негритянской музыкой этого региона, в ней стали использовать банджо, а еще позже и шестиструнную испанскую гитару. Ударные инструменты в музыке "хиллбилли" практически отсутствуют, лишь в дальнейшем, по мере взаимного влияния, ударные инструменты проникают и в музыку кантри.

Из современных стилей кантри наиболее близок к первоначальному хиллбилли, стилю "blue grass" /"синяя трава"/. Как считают, название стиля произошло от названия характерной травы, которая растет в степях штата Кентукки. А поскольку стиль хиллбилли наиболее распространен именно в этом штате, многие исполнители, вышедшие из этого штата /"The Kentucky colonels"/, продолжают по сей день выступать в том же стиле, что и их далекие предки. При этом используются исключительно акустические инструменты, нет никакого электрического усиления и полностью отсутствуют любые ударные инструменты. Это та первоначальная "белая" музыка, которая и известна под названием "хиллбилли". Правда, к "блю грасс" в настоящее время проявляется чисто экзотический интерес. Скажем еще несколько слов о традиционной музыке кантри. Это стиль, который называется "кеджун" /cajun/ или иначе "зайдеко". Этот стиль сложился в штате Луизиана, во франко-язычном штате, но не среди негритянского населения, где был распространен кантри блюз, а среди белого. Поскольку штат Луизиана относился к бедным штатам Апалачей, то традиционно музыку кеджун включают в музыку кантри, хотя в ней есть несколько характерных отличий. Прежде всего, основным инструментом этой музыки является аккордеон, воспринятый от французкого населения Луизианы. При этом аккордеон используется не так, как, например, во французком шансоне или немецких балладах, исполняемых под аккордеон. Здесь он очень ритмизован под впиянием местной негритянской музыки. Аккордеон играет ту же роль, что и фортепиано в ранней музыке буги-вуги, исполняется одна и та же ритмическая фраза левой рукой, а правая рука еедет какую-нибудь мелодическую импровизацию. Очень часто такой музыкант сочетает в себе функции нескольких разных инструментов / широко известный феномен "человек-оркестр"/. Такого рода музыканты были широко распространены и в деревенском блюзе, как например, знаменитый блюзмэн Доктор Иссайя Росс /Isaiah Ross/, который умер в 90-летнем возрасте в 70-е годы и был одним из ярких представителей "one-man band"- т.е. оркестра, состоящего из одного человека. Типичный вид негритянского "человека-оркестра" - гитара в руках, губная гармоника на кронштейне перед ртом, тарелки привязаны к коленям, за спиной барабан, к локтям, привязаны подушки - можно бить по барабану, бить ногами, дуть в гармошку, играть на гитаре. Такое "многостаночное" сочетание инструментов было очень популярным у негритянской аудитории и от них оно было заимствовано музыкантами кеджуна. Правда, место гитары здесь занимает аккордеон. Все это может сочетаться с разнообразными ударными и с некоторыми духовыми - губной гармоникой или свирелью Пана. Музыканты этого стиля также испытали влияние местных культов, в частности, негритянского культа "вуду", который зародился на Гаити и был сочетанием элементов христианства и африканских языческих культов. Музыка в вуду играет очень большую роль: гипнотические ритмы, повторяющиеся музыкальные фразы используются для введения участников ритуала в особый "транс". От христианства в этом культе используется фразеология, а от язычества-дикарс-кая, колдовская практика принесения жертв. Раньше были и человеческие, а сейчас чаще всего в жертву приносят белых и черных петухов. В волшебных возможностях людей, владеющих вуду /способность излечивать больных, наводить порчу на людей или скот/, немало таинственного и люди, живущие в этих регионах в них верят безоговорочно. Многие негры с Гаити попали в Луизиану и принесли с собой эти обычаи. Многие ритмы вуду используются в кеджуне, а гораздо позже появился и вуду-рок.

Существует еще один вид музыки кантри, который получил название "вестерн-свинг" /western swing/, "западный свинг". Это музыка кантри, в которой используются медные духовые инструменты: тромбоны, трубы, саксофоны, кларнеты, гобои и так далее. То есть музыка кантри, в которой главным мелодическим инструментом являются не струнные, а духовые.

И, наконец, существует кантри-музыка, которая звучит сейчас. Это музыка электрифицирования, с ударными инструментами и по внешнему виду очень мало отличающаяся от рок-музыки. Существует также жанр, который получил название "рокабилли" /rockabilly/ - составное слово от "хиллбилли" и рока. Он является сочетанием рок-н-ролла с современным инструментарием музыки кантри.

Последний основной источник современной музыки - это европейская развлекательная музыка, звучащая в мюзиклах, водевилях, варьете, бурлесках, опереттах и т.д. Это и романсы, чаще всего городские, исполняемые в довольно фривольном духе /типа наших частушек/, и все остальные микроформы развлекательной городской музыки, которые у нас объединяются термином "эстрада". Вся эта развлекательная культура была чрезвычайно популярной в Соединенных Штатах, начиная с XIX-

го века. К этому времени изрядно угас пуританский пыл первых поселенцев. В Америку все больше начинает проникать живая, повседневная музыка, главным образом вместе с гастролями разнообразных кабаре и варьете из Франции, Италии. Они породили в Соединенных Штатах массу последователей, но на местной почве это получило специфическую национальную окраску.

Почему же именно в Америке появились основные синтетические формы современного искусства? Во-первых, Америка стала как бы плавильным тиглем для множества национальных культур , которые взаимодействовали и влияли друг на друга. Во-вторых, Америка, в силу своего недолгого развития, была незакомплексована культурными стереотипами, в отличие от Европы с её многовековой историей. Так что современная музыка - явление интернациональное и поэтому она легко входит в любую национальную культуру.